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Regards croisés sur l’œuvre de Chu Teh-Chun et Simon de Cardaillac.
Tous deux profondément marqués par Nicolas de Staël – l’un dans l’intimité de son cercle, l’autre bouleversé par sa rétrospective de 1956 – Simon de Cardaillac et Chu Teh-Chun fréquentent à Paris les mêmes milieux. Il est fort probable qu’ils se soient croisés, voire connus, dans les salons et ateliers où se mêlaient artistes d’Europe et d’Asie – notamment au sein du Salon Comparaisons ou de l’atelier Friedlaender. Mais au-delà des rencontres, c’est dans leur rapport aux signes et au geste que se tisse une parenté plus profonde. Si Chu Teh-Chun puise dans la calligraphie chinoise sa gestuelle fluide et dynamique, l’œuvre de Simon de Cardaillac est nourrie par sa fascination pour les idéogrammes millénaires, qu’il traite avec la même attention au trait, au rythme et au vide.
Chu Teh-Chun (1920-2014) est un artiste franco-chinois dont l’œuvre abstraite, imprégnée de lumière et de mouvements, résulte d’une fusion entre la tradition picturale chinoise et l’abstraction occidentale. Né dans la province du Jiangsu, en Chine, il grandit dans une famille lettrée où la peinture et la calligraphie occupent une place essentielle. Son père et son grand-père, tous deux médecins, sont aussi collectionneurs d’art chinois, ce qui expose très tôt Chu Teh-Chun aux chefs-d’œuvre de la peinture.
En 1935, à seulement 15 ans, il intègre l’École des Beaux-Arts de Hangzhou, dirigée par Lin Fengmian, un artiste résolument tourné vers la modernité et fervent défenseur du dialogue entre l’art chinois et occidental. Ses professeurs Lin Fengmian et Wu Dayu l’initient aux grands noms de l’impressionnisme et du postimpressionnisme européens, tels que Renoir, Matisse, Monet, et surtout Cézanne qui marquera profondément le jeune peintre. Durant ses années de formation, Chu se lie d’amitié avec un autre futur grand artiste chinois,Zao Wou-Ki, qui suivra un parcours similaire au sien.
L’invasion japonaise de la Chine en 1937 bouleverse son cursus. L’École des Beaux-Arts est contrainte à l’exil, traversant plusieurs provinces chinoises. Chu Teh-Chun, au cœur de ces périples, observe et intègre des paysages changeants qui nourriront plus tard son langage pictural. Il obtient son diplôme en 1941 et commence une carrière d’enseignant à l’Université de Nankin, puis à Taïwan[1].
[1] Voir biographie et Pierre Cabanne, Chu Teh-Chun, Flammarion, 2000
En 1955, à l’âge de 35 ans, Chu Teh-Chun quitte Taïwan pour Paris avec son épouse Ching-Chao. Son voyage le conduit à travers Hong Kong, Saïgon, Ceylan, et Le Caire, où il découvre l’art pharaonique. Arrivé à Paris, il s’installe dans un modeste hôtel de la rue Lhomond. Il se mêle à la vie artistique parisienne et visite assidûment les musées et galeries. Il commence par peindre des paysages urbains, encore figuratifs, empreints de poésie et de lumière.
Le tournant décisif se produit en 1956 lorsqu’il assiste à la rétrospective de Nicolas de Staëlau Musée d’Art Moderne de Paris. Bouleversé par l’intensité et la puissance expressive de ses abstractions, il abandonne progressivement la figuration et s’oriente vers une peinture où la lumière et l’espace deviennent les sujets centraux.
Son style évolue alors vers une expression plus libre, mêlant calligraphie chinoise et peinture à l’huile occidentale.
Dès 1957, il se fait remarquer lors du Salon Comparaisons en exposant une toile non figurative. Sa première exposition individuelle a lieu en 1960 à la galerie Legendre, où il est remarqué. Dès lors, il trouve sa voie dans une abstraction gestuelle marquée par des calligraphies fluides et des compositions dynamiques.[1]
[1] Voir biographie et Pierre Cabanne, Chu Teh-Chun, Flammarion, 2000
Réalisée en 1984, Irisation, Saturation 1, illustre parfaitement la maîtrise des jeux de lumière et de couleur de Chu Teh-Chun. La toile se distingue par sa palette vibrante où dominent les contrastes entre les tons chauds et froids, donnant une impression de profondeur.
Cette toile s’inscrit également dans une période où Chu Teh-Chun approfondit sa recherche sur la transparence et les superpositions, cherchant à retranscrire des phénomènes lumineux avec une complexité croissante. La peinture est une transposition lyrique des éléments naturels et exprime sa fascination pour la luminosité et le passage du clair-obscur. Les touches de couleurs semblent flotter dans l’espace, formant un vortex lumineux qui évoque la réverbération de la lumière sur l’eau ou les irisations atmosphériques.
De manière générale, ses œuvres retranscrivent les phénomènes atmosphériques : brumes, vents, reflets aquatiques, vapeurs montantes, en une effusion de couleurs et de mouvements. Comme en témoigne cette peinture, Chu Teh-Chun maîtrisait la gestuelle et l’impulsion, donnant à sa peinture une puissance de jaillissement unique[1].
[1] Pierre Cabanne, Chu Teh-Chun, Flammarion, 2000
L’une des spécificités majeures de l’œuvre de Chu Teh-Chun réside dans son approche calligraphique de la peinture. Il puise dans l’art millénaire de la calligraphie chinoise, non seulement dans sa technique, mais aussi dans sa philosophie du vide et du plein. Comme dans les traditions picturales chinoises, il ne cherche pas à représenter directement la nature mais à en exprimer l’essence à travers des rythmes et des flux.
Dans cette œuvre, l’artiste explore une saturation chromatique qui rappelle certaines encres colorées utilisées dans la peinture chinoise. L’influence de la calligraphie est ici manifeste dans la gestuelle dynamique et fluide.
Les coups de pinceau expressifs et spontanés rappellent la technique du xieyi, une peinture gestuelle où l’intention prime sur la précision des formes. Sa composition marquée par un équilibre subtil entre masses colorées et espaces vides, évoque les paysages de la peinture chinoise de la dynastie Tang et Song[1], où la suggestion de l’espace et du mouvement est essentielle.
La maîtrise du pinceau, acquise grâce à une formation rigoureuse en calligraphie, permet à Chu Teh-chun de créer une harmonie fluide entre les formes, à l’image d’une composition musicale.
[1] Pierre Cabanne, Chu Teh-Chun, Flammarion, 2000
Chu Teh-chun se distingue par son application de touches larges de peinture diluée, qui, en séchant, dessinent de subtils dégradés, renforçant l’impression de profondeur et de texture du tableau. Il employait également un pinceau extra-large allant jusqu’à 25 cm de largeur[1].
Cette approche picturale révèle l’ancrage de l’artiste dans l’esthétique traditionnelle chinoise, qui favorise une expressivité mesurée. L’œuvre de Chu Teh-chun conjugue ainsi une certaine spontanéité du geste avec une précision calculée, illustrant parfaitement le concept chinois de “gentle and sincere” – une philosophie artistique s’inspirant de la poésie classique, qui préconise une modération dans l’expression émotionnelle :
[1] Feng Liu, Modeling Characteristics of Chu Teh-chun’s Abstract Painting, School of Fine Arts, Jiangsu Normal University, Xuzhou, Jiangsu 221116, China
“Education of poetry occupies a very important position in Chinese traditional art education. Chinese traditional aesthetics emphasizes on being “gentle and sincere, sorrow but not hurted”, and pursues a “moderate” beauty. In the “Doctrine of the Mean”, it is said as: “if there is no expression of happiness, anger, sorrowness or joyment, it is called moderation; when expressing the emotions within the moderation, it is called harmony.”
Feng Liu, Modeling Characteristics of Chu Teh-chun’s Abstract Painting, School of Fine Arts, Jiangsu Normal University, Xuzhou, Jiangsu 221116, China
Bien que l’art abstrait tende à s’affranchir des représentations figuratives, Chu Teh-chun conserve une structure interne rigoureuse dans ses compositions. A l’exemple d’Irisation, Saturation 1, chaque trait, chaque touche de couleur, semble délibérément placé pour renforcer la cohérence de l’ensemble. Contrairement à l’approche rapide et spontanée de certains artistes abstraits occidentaux, Chu Teh-chun adopte une méthode de travail réfléchie et méthodique, comparable à une pratique méditative. Son processus de création, souvent long, implique une observation attentive et une sélection minutieuse de chaque élément formel.
Chu Teh-Chun s’inscrit dans une lignée de peintres chinois lettrés qui accordent une grande importance à la lecture et à la culture générale, considérant la peinture comme une extension de leur développement intellectuel et spirituel. Ils s’efforcent de cultiver leur “qi”, un concept qui désigne à la fois l’énergie vitale et le tempérament artistique. Le plus haut degré de maîtrise picturale est le “Yee Pin”, un état où l’œuvre transcende la technique pour exprimer une harmonie parfaite entre l’érudition, la sensibilité et l’esprit du peintre.[1]
[1] Feng Liu, Modeling Characteristics of Chu Teh-chun’s Abstract Painting, School of Fine Arts, Jiangsu Normal University, Xuzhou, Jiangsu 221116, China
Cette huile sur toile a été réalisée en 1984, alors que Chu Teh-Chun commence à être reconnu à l’international. Ses expositions s’enchaînent à Taïwan, Hong Kong, New York et en Europe. En 1987, il expose pour la première fois en Chine depuis son départ en 1955, marquant son retour symbolique dans son pays natal[1].
En 1997, il devient le premier artiste chinois élu à l’Académie des Beaux-Arts de France, consacrant sa place dans l’histoire de l’art moderne[2]. Jusqu’à la fin de sa vie, il poursuit son exploration de la lumière et de la matière picturale.
[1] Pierre Cabanne, Chu Teh-Chun, Flammarion, 2000
[2] Lian Jin, Kexin Wang, A Study of Chu Teh-Chun’s Abstract Paintingsfrom the Perspective of East-West Integration, School of Art, Zhejiang Normal University, Zhejiang Jinhua 321004, Region-Educational Research and Reviews, 2024,Volume 6, Issue4
Aujourd’hui, ses toiles sont présentes dans de grandes collections publiques et privées, et son influence se perpétue à travers les dialogues entre abstraction et tradition picturale chinoise.
Au fil des décennies, les œuvres de Chu Teh-Chun ont connu une hausse significative de leur cote. En 2020, son tableau “Ode to nature” a été vendu pour 113,7 millions de dollars hongkongais lors d’une vente chez Sotheby’s, marquant son entrée dans le cercle restreint des “peintres milliardaires”[1].
[1] Lijun Meng, Art and Society: Chu Teh‐Chun and the Encounter in the Art Field, Fine Arts, Anhui University of Finance and Economics, Bengbu 233030, Anhui, China, International Journal of Education and Humanities ISSN: 2770-6702 | Vol. 3, No. 3, 2022
Les œuvres de Chu Teh Chun, autrefois principalement collectionnées en Chine et à Hong Kong, suscitent désormais un engouement international, consolidant sa place dans l’histoire de l’art mondial.
An exploration of the work of Chu Teh-Chun and Simon de Cardaillac.
Simon de Cardaillac and Chu Teh-Chun were part of the same artistic milieu in Paris, and were both deeply influenced by Nicolas de Staël – the former being part of his circle of friends, and the latter being deeply moved by his 1956 retrospective. It is highly likely that they crossed paths, or even met, in the salons and studios where artists from Europe and Asia mingled – in particular the Salon Comparaisons and the Friedlaender studio. However, beyond these possible encounters, it is their relationship to signs and gestures that created a deep connection between the two artists. While Chu Teh-Chun drew his fluid and dynamic style from Chinese calligraphy, Simon de Cardaillac’s work was fed by his fascination with ancient characters, which he treated with the same attention to line, rhythm and empty space.
Chu Teh-Chun (1920-2014) is a Franco-Chinese artist whose abstract work, full of light and movement, results from a fusion of Chinese art tradition and Western abstraction. He was born in Jiangsu Province, China, and grew up in an educated family where painting and calligraphy occupied a central place. Both his father and grandfather, who were doctors, were also collectors of Chinese art, which, from an early age, introduced Chu Teh-Chun to the masterpieces of painting.
In 1935, aged only 15, he enrolled at the Hangzhou School of Fine Arts, which was headed by Lin Fengmian, an artist resolutely turned towards modernity and a fervent advocate of the dialogue between Chinese and Western art. His teachers, Lin Fengmian and Wu Dayu, introduced him to the great names of European Impressionism and Post-Impressionism, such as Renoir, Matisse, Monet and especially Cézanne, who would have a profound impact on the young painter. During his formative years, Chu became friends with another future great Chinese artist, Zao Wou-Ki, who would go on to follow a similar path.
The Japanese invasion of China in 1937 disrupted his studies. The School of Fine Arts was forced into exile, travelling through several Chinese provinces. Throughout these journeys, Chu Teh-Chun observed and absorbed the changing landscapes that would later inform his artistic language. He graduated in 1941 and began a teaching career at Nanjing University, then located in Taiwan[1].
[1] Voir biographie et Pierre Cabanne, Chu Teh-Chun, Flammarion, 2000
In 1955, at the age of 35, Chu Teh-Chun left Taiwan for Paris with his wife Ching-Chao. His journey took him through Hong Kong, Saigon, Ceylon and Cairo, where he discovered the art of ancient Egypt. When he arrived in Paris, he settled into a cheap hotel on Rue Lhomond. He immersed himself in the artistic life of the capital and assiduously visited museums and galleries. He began by painting urban landscapes, in figurative style at this stage, which were filled with poetry and light.
The decisive turning point came in 1956 when he attended the Nicolas de Staël retrospective at the Musée d’Art Moderne in Paris. He was so profoundly moved by the intensity and expressive power of his abstract art that he gradually abandoned figurative painting and instead moved towards a style of painting in which light and space became the central themes.
His style gained freedom, and combined Chinese calligraphy and Western oil painting.
In 1957, he attracted attention at the Salon Comparaisons by exhibiting a non-figurative picture. His first solo exhibition took place in 1960 at the Legendre Gallery, where he was widely acclaimed. From then on, he found his voice in abstract art marked by fluid calligraphy and dynamic compositions.[1]
[1] Voir biographie et Pierre Cabanne, Chu Teh-Chun, Flammarion, 2000
Irisation, Saturation 1, which was created in 1984, perfectly illustrates Chu Teh-Chun’s masterful use of light and colour. This painting stands out for its vibrant use of colour, in particular the contrast between warm and cool tones, which give the impression of depth.
This painting was created at a time when Chu Teh-Chun was deepening his research into transparency and superpositions, when he sought to reproduce light-related phenomena with increasing complexity. This painting is a lyrical expression of natural elements and shows his fascination with luminosity and the transition between light and dark. The touches of colour seem to float in space, forming a luminous vortex that is reminiscent of the reverberation of light on water and of iridescence in the atmosphere.
More generally, his works represent optical phenomena in the atmosphere, such as mists, winds, aquatic reflections and rising vapours, through an outpouring of colour and movement. As this painting demonstrates, Chu Teh-Chun was a master of movement and impulse, giving his painting a unique burst of power.[1].
[1] Pierre Cabanne, Chu Teh-Chun, Flammarion, 2000
One of the major distinctive features of Chu Teh-Chun’s work lies in his calligraphic approach to painting. He drew on the ancient art of Chinese calligraphy, not only its technique, but also its philosophy of emptiness and fullness. As in Chinese art tradition, he did not seek to directly represent nature but instead to express its essence through rhythms and flows.
In this work, the artist explored a chromatic saturation reminiscent of certain coloured inks used in Chinese painting. The influence of calligraphy is evident here in the dynamic and fluid gestures.
The expressive and free-flowing brushstrokes recall the technique of xieyi, a gestural painting technique where intention takes precedence over accuracy of form. His composition, which is marked by a subtle balance between coloured forms and empty spaces, evokes the landscapes of Chinese paintings from the Tang and Song dynasties[1], where the suggestion of space and movement is essential.
His command of brushstrokes, acquired through his rigorous training in calligraphy, enabled Chu Teh-Chun to create fluid harmony between forms, like in a musical composition.
[1] Pierre Cabanne, Chu Teh-Chun, Flammarion, 2000
Chu Teh-Chun’s work is distinguished by his application of broad brushstrokes of diluted paint, which, when drying, create subtle gradations, reinforcing the impression of depth and texture in the painting. He also used extra-large brushes, up to 25cm wide.[1].
This artistic approach reveals the artist’s roots in traditional Chinese art, which favours restrained expressiveness. Chu Teh-Chun’s work thus combines a certain freedom of gesture with calculated precision, perfectly illustrating the Chinese concept of “gentle and sincere” – an artistic philosophy inspired by classical poetry, which advocates moderation in emotional expression:
[1] Feng Liu, Modeling Characteristics of Chu Teh-chun’s Abstract Painting, School of Fine Arts, Jiangsu Normal University, Xuzhou, Jiangsu 221116, China
“Education of poetry occupies a very important position in Chinese traditional art education. Chinese traditional aesthetics emphasizes on being “gentle and sincere, sorrow but not hurted”, and pursues a “moderate” beauty. In the “Doctrine of the Mean”, it is said as: “if there is no expression of happiness, anger, sorrowness or joyment, it is called moderation; when expressing the emotions within the moderation, it is called harmony.”
Feng Liu, Modeling Characteristics of Chu Teh-chun’s Abstract Painting, School of Fine Arts, Jiangsu Normal University, Xuzhou, Jiangsu 221116, China
Although abstract art tends to free itself from figurative representations, Chu Teh-Chun maintained a disciplined approach to the structure of his compositions. As in Irisation, Saturation 1, each stroke, each touch of colour, seems deliberately placed to reinforce the coherence of the whole. Unlike the fast and free approach of some Western abstract artists, Chu Teh-chun adopted a thoughtful and methodical working method, akin to meditation. His – often lengthy – creative process involved carefully assessing and selecting each formal element.
Chu Teh-Chun belongs to a lineage of educated Chinese painters who placed great importance on reading and general culture, viewing painting as an extension of their intellectual and spiritual development. They strived to cultivate their “qi,” a concept that refers to both vital energy and artistic temperament. The highest degree of art mastery is “Yee Pin,” a state in which the work transcends technique to express a perfect harmony between the painter’s knowledge, sensitivity and spirit.[1]
[1] Feng Liu, Modeling Characteristics of Chu Teh-chun’s Abstract Painting, School of Fine Arts, Jiangsu Normal University, Xuzhou, Jiangsu 221116, China
This oil on canvas was painted in 1984, just as Chu Teh-Chun was beginning to gain international recognition. Exhibitions followed in Taiwan, Hong Kong, New York and Europe. In 1987, he exhibited for the first time in China since his departure in 1955, marking his symbolic return to his native country[1].
In 1997, he became the first Chinese artist admitted to the Académie des Beaux-Arts in France, which cemented his place in the history of modern art[2]. He continued his exploration of light and art until the end of his life.
[1] Pierre Cabanne, Chu Teh-Chun, Flammarion, 2000
[2] Lian Jin, Kexin Wang, A Study of Chu Teh-Chun’s Abstract Paintingsfrom the Perspective of East-West Integration, School of Art, Zhejiang Normal University, Zhejiang Jinhua 321004, Region-Educational Research and Reviews, 2024,Volume 6, Issue4
Nowadays, his paintings feature in major public and private collections, and his influence lives on through the dialogue between abstraction and Chinese art tradition.
Over the decades, the value of Chu Teh-Chun’s works has significant risen. In 2020, his painting Ode to Nature sold for HK$113.7 million at Sotheby’s, marking his entry into the select group of “billionaire painters”[1].
[1] Lijun Meng, Art and Society: Chu Teh‐Chun and the Encounter in the Art Field, Fine Arts, Anhui University of Finance and Economics, Bengbu 233030, Anhui, China, International Journal of Education and Humanities ISSN: 2770-6702 | Vol. 3, No. 3, 2022
Chu Teh Chun’s works, once collected primarily in China and Hong Kong, now attract international attention, cementing his place in the global history of art.
